La voz ópera (del italiano opera,
"obra musical") designa, desde aproximadamente el año 1650, un género
de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene
acompañamiento instrumental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde
los actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son
ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación
musical menor. La ópera forma parte de la tradición de la música clásica
europea u occidental.
ORQUESTA DE
CAMARA. El término orquesta de cámara abarca
todo tipo de conjuntos instrumentales, con la única condición de poseer tal
tipo de orquesta un tamaño pequeño. Al igual que con la música de cámara, el complemento
de «cámara» se refiere al salón en la que se desarrollaban (en su origen los
salones de música de los palacios y grandes residencias del siglo XVII). Desde
entonces significa «orquesta reducida que cabe en un salón». No tiene una
formación concreta de instrumentos.
TONALIDAD.
La tonalidad es un concepto complejo, ya
que implica varios factores así como una particular jerarquización. La tonalidad se basa en escalas, es decir, en
un orden determinado de sucesión de intervalos.
Así, por ejemplo, la escala mayor es una sucesión de los siguientes
intervalos que completan una octava (total: 12 semitonos): tono, tono,
semitono, tono, tono, tono y semitono.
La primera nota de la escala (y que da nombre a la misma) se denomina
fundamental o tónica, ya que las melodías una nota tónica. Otra nota de gran dinamismo armónico es la
séptima nota de la escala mayor y de la menor armónica, que se encuentra a sólo
un semitono de la tónica, conocida también como sensible tonal
.
ARMADURA
La armadura de clave o armadura
de tonalidad es el conjunto de alteraciones (sostenidos o bemoles) que
escritas sobre el pentagrama sitúan una frase musical en una tonalidad
específica. Las alteraciones se escriben en un orden concreto: para los sostenidos,
fa, do, sol, re, la, mi y si;
y para los bemoles, si, mi, la, re, sol, do,
fa; es decir, el inverso.
Escalas Menores
Existen varias escalas escalas consideradas
como menores. Dentro de éstas podemos encontrar la escala menor natural,
la escala menor armónica y la escala menor melódica.
Menor Natural
La escala menor natural se deriva de la
escala mayor.
Veamos la escala de Do Mayor.
Do - Re - Mi - Fa - Sol - La - Si - Do
Si tomamos el sexto grado (sexta nota) de la
escala de Do mayor esta nos dice que su relativo menor es La. Usando
las notas naturales de la escala mayor podemos construir la relativa menor.
En la escala de Do Mayor, la
relativa menor lo es La menor.
Las notas de la escala de La menor son:
La-Si-Do-Re-Mi-Fa-Sol-La. De esta forma se define la escala menor
natural. Note que se utilizan las notas naturales de la escala mayor.
Esta escala asciende y desciende por la
escala menor natural: La-Si-Do-Re-Mi-Fa-Sol-La-Sol-Fa-Mi-Re-Do-Si-La
Cada escala menor se deriva de una relativa
mayor.
Veamos cual es la relativa menor de Re Mayor.
Las notas de la escala Re Mayor
son: Re-Mi-Fa#-Sol-La-Si-Do#-Re
Si observamos el sexto grado de esta escala
nos dice que su relativa menor natural es Simenor.
Las notas de la escala natural de Si
menor son: Si-Do#-Re-Mi-Fa#-Sol-La-Si
Evaluemos la relativa menor de Fa Mayor:
Las notas de la escala Fa Mayor
son: Fa-Sol-La-Sib-Do-Re-Mi-Fa
Si observamos el sexto grado de esta escala
nos dice que su relativa menor natural es Remenor.
Las notas de la escala natural de Re
menor son: Re-Mi-Fa-Sol-La-Sib-Do-Re
Escala Menor Armónica
La escala menor armónica utiliza la misma
escala menor natural con una pequeña alteración. El séptimo grado de la escala
menor natural se eleva por medio tono (un traste).
Veamos la escala menor natural de La y
la escala menor armónica de La.
Menor Natural
La-Si-Do-Re-Mi-Fa-Sol-La
Menor
Armónica La-Si-Do-Re-Mi-Fa-Sol#-La
La séptima nota de la escala menor natural se
eleva por medio tono (un traste) y la escala se convierte en una escala menor
armónica.
Esta escala asciende y desciende por la
escala menor armónica:
La-Si-Do-Re-Mi-Fa-Sol#-La-Sol#-Fa-Mi-Re-Do-Si-La
Las notas de la escala natural de Si
menor son: Si-Do#-Re-Mi-Fa#-Sol-La-Si
Las notas de la escala armónica de Si
menor son: Si-Do#-Re-Mi-Fa#-Sol-La#-Si
Escala Menor Melódica
La escala menor melódica utiliza la misma
escala menor natural con dos alteraciones. El sexto y séptimo grados de la
escala menor natural se elevan por medio tono cada uno (un traste).
Veamos la escala menor natural de La y
la escala menor armónica de La.
Menor Natural
La-Si-Do-Re-Mi-Fa-Sol-La
Menor Melódica
La-Si-Do-Re-Mi-Fa#-Sol#-La
La sexta y séptima notas de la escala menor
natural se elevan por medio tono (un traste) y la escala se convierte en una
escala menor melódica.
Esta escala asciende en melódica y desciende
en natural: La-Si-Do-Re-Mi-Fa#-Sol#-La-Sol-Fa-Mi-Re-Do-Si-La
Las notas de la escala natural de Si
menor son: Si-Do#-Re-Mi-Fa#-Sol-La-Si
Las notas de la escala melódica de Si
menor son: Si-Do#-Re-Mi-Fa#-Sol#-La#-Si
EN ESTE SEMESTRE SE ME APERMITIDO ASISTIR A CONCIETOS DE MUSICA UNO DE
LOS QUE MAS ME GUSTO FUE UNO DE LA ORQUESTA SINFONICA NACIONAL.
AQUI LES PONGO UN VIDEO DE ELLOS.
OTRO CONCIETO Q UE ME GUSTO MUCHO FUE UNO DEL FESTIAL DE JAZZ A ABLANCO Y
NEGRO DONDE TUIBE LA OPORTUNIDA DE VER TOCAR A HÉCTOR INFAZÓN, UNO DE
LOS PIANIATAS CON MAYOR RENOMBRE EN EL MUNDO
LES PONGO ESTOS VIDEOS PARA QUE SE DELEITEN CON EL AUNQUE ESTA CONSU BANDA CREO UE DESTACA MAS ÉL QUE LOS OTROS TRES.
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē],
"el arte de las musas") es, según la definición tradicional del
término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación
coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales
de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de
complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido
evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin
distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde
hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y
qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de
diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que,
si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la
definición de este arte.
CLAVE.
La clave
es un símbolo usado en notación musical, cuya función es asociar las
notas musicales con las líneas o espacios del pentagrama. Una clave
asocia una nota en concreto con una línea del pentagrama, de manera que a
las notas siguientes les corresponderán los espacios y líneas
adyacentes.
Existen
tres símbolos distintos para representar a las distintas claves, la
clave de sol, la clave de fa y la clave de do, que llevan el nombre de
la nota que designan a la segunda línea de los pentagramas. Es
obligatoria su colocación al principio de cada pauta, pero puede
cambiarse durante el transcurso de la obra en cualquier momento, si se
requiere.
PULSO.
El pulso , es cualquiera de las señales transitorias musicales periódicas que marcan el ritmo,
es decir, el latido de la música y la utilizamos para comparar la
duración de las notas y los silencios. El pulso es la unidad temporal
básica (aun así sub-divisible) de una obra musical. Cuando un oyente da golpes con el pie al escuchar una obra musical, esos golpes son pulsos.
El pulso es el orden repetitivo más ordenado donde se reconocen
unidades rítmicas en una obra musical. Se le llama así porque es como
una pulsación que recorre la obra. A veces el pulso no se percibe desde
la tímbrica, ya que el pulso podría coincidir con silencios repetitivos
(por ejemplo, si en los tiempos fuertes del compás hubiera silencios, el
oyente seguiría percibiendo el compás, y por lo tanto también el
pulso).
COMPÁS.
El compás
es la entidad métrica musical, compuesta por varias unidades de tiempo
(como la negra o la corchea). Esta división se representa gráficamente
por unas líneas verticales, llamadas «líneas divisorias» o «barras de
compás» que se colocan perpendicularmente a las líneas del pentagrama.
En una obra musical escrita, las notas y los silencios que estén
comprendidos entre dos líneas divisorias componen un compás. Un
fragmento musical estará compuesto por el conjunto de compases que lo
conforman, los cuales tendrán la misma duración hasta que se cambie el
tipo de compás.
Dos compaces de 4 cuartos ocupados por silencios de redondas.
ARMADURAS.
La armadura de clave o armadura de tonalidad
es el conjunto de alteraciones (sostenidos o bemoles) que escritas
sobre el pentagrama sitúan una frase musical en una tonalidad
específica. Las alteraciones se escriben en un orden concreto: para los
sostenidos, fa, do, sol, re, la, mi y si; y para los bemoles, si, mi, la, re, sol, do, fa; es decir, el inverso.
Armadura correspondiente a la tonalidad de La.
ACORDE.
En música y teoría musical, un acorde consiste en un conjunto de
dos o más notas diferentes que suenan simultáneamente o en sucesión y que
constituyen una unidad armónica. En determinados contextos, un acorde también
puede ser percibido como tal aunque no suenen todas sus notas
INTERVALO.
Intervalo es la diferencia de altura —frecuencia— entre dos notas
musicales, medida cuantitativamente (número) en grados o notas
naturales y cualitativamente (especie) en tonos y semitonos. Su
expresión aritmética es una proporción simple.
Por ejemplo:
Un intervalo de cinco grados es una quinta; una quinta de tres
tonos y un semitono es justa.Aritméticamente, la
relación de frecuencias entre dos sonidos situados a distancia de quinta justa
es 3:2.
PENTAGRAMA.
En el sistema de notación musical utilizado comúnmente en los países
occidentales, el pentagrama (del griego: penta: cinco, grama:
escribir) es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos
musicales. Tiene cinco líneas y cuatro espacios, que se enumeran de abajo hacia
arriba. Las líneas son horizontales, rectas y equidistantes.
NOTA.
En el ámbito de la música, el término nota se refiere a un sonido determinado por una vibración cuya frecuencia fundamental es constante.
ALTERACIONES.
En el ámbito de la música, las alteraciones
son los signos que modifican la entonación (o altura) de los sonidos
naturales y alterados. Las alteraciones más utilizadas son el sostenido,
el bemol y el becuadro.
TONALIDAD.
Son las melodías y acompañamientos escritos con las notas usicales de una escala.
ORQUESTA SINFONICA.
La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una
agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de
instrumentos, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Una
orquesta sinfónica o filarmónica tiene generalmente más de ochenta músicos en
su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de
músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra
que va a ser tocada y el tamaño del lugar en donde ocurrirá la presentación. El
término «orquesta» se deriva de un término griego que se usaba para nombrar a
la zona frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para danzar’.
El siguiente video les muestra lo que es una orquesta sinfonica.
CANTOS GREGORIANOS.
El canto llamado gregoriano, inicialmente canto
cristiano es un tipo de canto llano (simple, monódico, sin saltos:
movimientos por grados conjuntos y con una música supeditada al texto)
utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana, aunque en ocasiones es
utilizado en un sentido amplio o incluso como sinónimo de canto llano. Deben
rastrearse sus orígenes en la práctica musical de la sinagoga judía y en el
canto de las primeras comunidades cristianas. La denominación canto gregoriano procede de atribuírsele
su recopilación al Papa San Gregorio Magno, siendo una evolución del canto
romano confrontado al canto galicano. Debe aclararse y entenderse que el canto
gregoriano no es inventado ni siquiera recopilado por el Papa Gregorio I Magno.
Fue a partir del siglo IX que empezó a asociarse su nombre a este compendio
musical, sobre todo a partir de la biografía de Juan el Diácono. Desde su
nacimiento, la música cristiana fue una oración cantada, que debía realizarse
no de manera puramente material, sino con devoción o, como lo decía San Pablo:
«Cantando a Dios en vuestro corazón». El texto era pues la razón de ser del
canto gregoriano. En realidad el canto del texto se basa en el principio de
que, según san Agustín, «El que canta bien, ora dos veces». El canto gregoriano
jamás podrá entenderse sin el texto, el cual tiene prelación sobre la melodía y
es el que le da sentido a ésta. Por lo tanto, al interpretarlo, los cantores
deben haber entendido muy bien el sentido del texto. En consecuencia, se debe
evitar cualquier impostación de voz de tipo operístico en que se intente el
lucimiento del intérprete. Del canto gregoriano es de donde proceden los modos
gregorianos, que dan base a la música occidental. De ellos vienen los modos
mayores y menores, y otros cinco menos conocidos.
VALOR DE NOTAS.
Figuras musicales o rítmicas
- Valores o figuras musicales son símbolos que representan el tiempo de
duración de las notas musicales. Son también llamados valores
positivos. Los símbolos de las figuras se usan para representar la
duración para ser ejecutado. Las notas se muestran en la figura de
abajo, por orden decreciente de duración. son: redonda, blanca , negra ,
corchea , semicorchea , fusa y semisufa.
La duración real (medida en segundos) de una nota depende de la fórmula
de compás y del andamento utilizado. Eso significa que la misma nota
puede ser ejecutada con duración diferente en piezas diferentes o
incluso dentro de la misma música.
Pausas - representan el silencio, esto es, el tiempo en que la
voz no produce sonido alguno, siendo llamados valores negativos. Las
pausas se subdividen al igual que las notas en términos de duración.
Cada pausa dura el mismo tiempo relativo que su nota correspondiente, o
sea, la pausa más larga corresponde exactamente a la duración de una
redonda. La correspondencia se hace en el siguiente orden:
CLASIFICACION DE LA VOZ HUMANA.
CUALIDADES DEL SONIDO.
INTENSIDAD: Fuerza con la que se produce el sonido. Da lugar a sonidos fuertes o suaves. DURACIÓN: Tiempo que permanece un sonido (largo o corto). TIMBRE: Permite distinguir la voz, el instrumento o el objeto que emite el sonido. ALTURA O TONO: Permite diferenciar sonidos agudos y graves.
Diafragma
El
diafragma es un músculo largo con un tendón central. Su grosor es
aproximadamente de una pulgada y al ser un músculo y no un órgano, no se
llena con nada, es decir, que no puede haber aire dentro de él. De la
misma manera es un músculo que no sólo se encuentra en la parte frontal
de nuestra caja torácica. Es como un caparazón que se encuentra
alrededor de la mayor parte de nuestras costillas (casi en toda la caja
torácica, menos en la parte abdominal), y que separa a éstas de los
órganos, pero cuando hablamos de este músculo con relación al canto
generalmente sólo nos referimos a la parte delantera, a la altura del
esternón (el hueso que sentimos exactamente arriba del estómago en la
parte central el cuerpo), porque es la que será de utilidad para
nosotros al cantar.
La parte frontal de nuestro diafragma siempre está en movimiento cuando
respiramos. Al inhalar, el diafragma baja empujando a los órganos (por
esta razón nuestro estómago se infla, no porque ahí haya aire, ya que el
aire se encuentra en los pulmones), y al exhalar el diafragma sube y
regresa a su posición original o de relajación. Éste proceso que parece
tan sencillo se complica al momento de cantar, pero cuando lo logramos
es cuando decimos que estamos cantando con el diafragma, es decir,
cuando logramos que trabaje de manera automática tal y como lo hacemos
cuando respiramos. La diferencia es que cuando cantamos y respiramos lo
que generalmente hacemos es que al tomar aire mantenemos la tensión en
la zona abdominal y no permitimos que trabaje de manera libre, ya que lo
apretamos y no dejamos que tenga movilidad.
La parte frontal de nuestro diafragma siempre está en movimiento cuando
respiramos. Al inhalar, el diafragma baja empujando a los órganos (por
esta razón nuestro estómago se infla, no porque ahí haya aire, ya que el
aire se encuentra en los pulmones), y al exhalar el diafragma sube y
regresa a su posición original o de relajación. Éste proceso que parece
tan sencillo se complica al momento de cantar, pero cuando lo logramos
es cuando decimos que estamos cantando con el diafragma, es decir,
cuando logramos que trabaje de manera automática tal y como lo hacemos
cuando respiramos. La diferencia es que cuando cantamos y respiramos lo
que generalmente hacemos es que al tomar aire mantenemos la tensión en
la zona abdominal y no permitimos que trabaje de manera libre, ya que lo
apretamos y no dejamos que tenga movilidad.
"Algo que asemos tambien en la clase de lenguaje son ejercicos de
vocalización, aqui les pongo un video donde se demuetra como se
vocaliza, no es esactamente como lo acemos en clase pero es lago
parecido."
“Música del periodo Renacimiento”
La música del Renacimiento o música renacentista
es la música clásica europea escrita durante el Renacimiento, entre los
años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que
definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las
leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del
canto gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se
encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el
villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare
y la canzona en la música instrumental. Entre los compositores más
destacados de este periodo se hallan Josquin Desprez, Palestrina,
Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria.
Estilo
La
música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad que deriva
de la aceptación de la tercera como intervalo armónico consonante
(uniéndose en esta categoría a quintas y octavas, ya admitidas en la
Edad Media) y del progresivo aumento del número de voces, todas de igual
importancia y regidas por las reglas del contrapunto: independencia de
las voces, preparación y resolución de las disonancias, uso de terceras y
sextas paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etc.
El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura
polifónica, frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis
voces de carácter cantabile; cada línea melódica o voz
podía ser interpretada indistintamente con voces reales o con
instrumentos. Si bien el rango de cada línea supera apenas la octava, la
extensión general del conjunto rebasa ampliamente las dos octavas,
evitándose el cruce entre las voces (que forzaba a que estas fueran
heterogéneas y contrastantes en la polifonía medieval).
El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los ocho modos
gregorianos; las características modales (opuestas a las tonales) de la
música del Renacimiento comenzaron a agotarse hacia el final del período
con el uso creciente de intervalos de quinta como movimiento entre
fundamentales, característica definitoria de la tonalidad.
Géneros y formas
Música religiosa
Durante
este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida a
la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de
un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias
españolas en América). Las formas litúrgicas más importantes durante el
Renacimiento fueron la misa y el motete.
La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo,
Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse
en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de
composición principales:
Misa
de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien
procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o
incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la
llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo,
completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas
Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor
Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres
actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus
firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las
innumerables basadas en la canción L'homme armé, tales como las de Dufay, Busnois, Ockeghem, Guerrero, Morales, Palestrina...
Una
variante de este tipo de misa es la de paráfrasis, en la que la melodía
preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces, como
ocurre en la Misa Pange Lingua de Josquin Desprez.
Misa
parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción
polifónica anterior (propio o de otro autor), este ya de tipo
polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de
imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos
completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a
veces voces nuevas, y siempre, naturalmente, cambiando el texto. Este es
el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, basada en una canción de Ockeghem, o la Misa Mille regretz de Cristóbal de Morales, basada a su vez en una canción de Josquin.
El
motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín.
Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto
asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en
número cada vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del
XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase
textual. En el motete el autor generalmente creaba material puramente
original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se
desarrollan amplios motetes bipartitos y, en la escuela veneciana, los
policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos sobresalientes de
motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales.
Géneros sagrados importantes, ya en lengua vernácula, fueron el
villancico religioso español, el madrigal espiritual, la lauda italiana y
el coral luterano.
Música vocal profana
Un
gran número de impresos y cancioneros manuscritos nos han hecho llegar
el amplísimo repertorio polifónico profano renacentista. Aquí sí es
posible reconocer formas peculiares de cada país:
En Italia, la villanella, la frottola y el madrigal.
En España, el romance, la ensalada y el villancico.
En
Francia, una vez superadas las formas medievales aún vigentes en
la escuela borgoñona (rondeau, virelay, ballade) se creó la
peculiar chanson polifónica parisina.
En Inglaterra se imitó el estilo madrigalístico italiano, apareciendo hacia 1600 la canción con laúd isabelina.
Hacia
el final del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de
la ópera tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.
Música instrumental
De
modo paralelo a la extensión del rango vocal de la polifonía, los
instrumentos ampliaron su tesitura creándose familias completas de cada
modelo; cada tamaño era nombrado con el nombre de la voz equivalente:
así, por ejemplo, se crean flautas de pico soprano, alto, tenor y bajos
de varias tallas, y un proceso semejante siguen instrumentos de cuerda
como las violas da gamba, de metal como los sacabuches o de madera como
las chirimías.
Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la
música polifónica; por ejemplo, está perfectamente documentada la
presencia regular de ministriles (flautas, cornettos, sacabuches,
chirimías y bajones) en las catedrales ibéricas del siglo XVI. Además,
mucha música polifónica se ejecutaba de forma puramente instrumental,
fuera en conjuntos homogéneos (llamados consorts), en grupos que
combinaban instrumentos de diversas familias o sobre instrumentos
propiamente polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd
o, en España, la vihuela.
Eran habituales los conjuntos domésticos de instrumentistas aficionados.
Frecuentemente esos músicos amateur (e incluso muchos profesionales)
eran incapaces de leer la notación musical convencional, por lo que la
música instrumental solía escribirse en un sistema de escritura peculiar
para cada instrumento, llamado tablatura: hay así tablaturas
renacentistas específicas para tecla, laúd, arpa, vihuela, etc. El laúd,
derivado del al'ud medieval, se convirtió pronto en el
instrumento doméstico solista más popular en Europa. De diversos tamaños
y forma de pera, se fabricaba con gran diversidad de materiales,
tratados con extrema exquisitez artesanal. Tenía una cuerda simple y
cinco dobles y el clavijero vuelto hacia atrás; permitía ejecutar
acordes, melodías, escalas y gran número de ornamentos, y se utilizaba
como instrumento solista, con el canto y en conjuntos de cámara. La
vihuela de mano fue su equivalente español.
La relativa escasez de fuentes de música específicamente instrumental
(por comparación con la abundancia de fuentes vocales, y especialmente
considerando el siglo XV) no debe llevar a la errónea conclusión de que
su uso fuera poco habitual o su nivel técnico bajo: los primeros
tratados de enseñanza de cada instrumento (como los que dedican Ganassi a
la flauta de pico y Diego Ortiz a la viola da gamba) denotan un muy
alto nivel técnico y musical; sin embargo, la técnica instrumental solía
transmitirse oralmente y su música específica era raramente escrita:
era habitual la improvisación, fuese directa o sobre material vocal
preexistente (disminución). Gracias a los tratados de la época se
conocen, también, problemas de afinación, de altura, temperamento u
ornamentación. Uno de los primeros libros de este tema aparecidos fue el
Musica getutscht und ausgezogen (Resumen de la música en alemán), obra de Sebastian Virdung de 1511.
Las principales formas instrumentales de la época fueron:
Formas
derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los
instrumentistas piezas vocales, compusieron formas similares, si
bien sin texto: del motete derivaron piezas polifónicas imitativas,
llamadas ricercare, fantasía o tiento, mientras que de la chanson
derivó la canzona, generalmente más viva y más dividida en
secciones que los anteriores.
Danzas:
una de las funciones tradicionales de los instrumentistas era,
naturalmente, el acompañamiento de la danza. Solían estar escritas a
cuatro voces, en una sencilla textura homofónica. Hay abundantes
ejemplos de danzas de todo tempo y compás, como la bajadanza, la
pavana, la gallarda, la alemanda o la courante.
Formas
improvisatorias: los músicos anotaban a veces sus improvisaciones
más logradas. Podía tratarse bien de puras improvisaciones para un
instrumento polifónico (toccata, preludio, de nuevo tiento), bien
de variaciones melódicas ornamentales sobre una o varias voces de
un modelo vocal preexistente (recercada, disminuciones) o bien de
largas series de variaciones sobre un basso ostinato muy conocido, como la romanesca, el Conde Claros, el passamezzo antiguo o el passamezzo moderno.
“Música del Clasicismo”
A
mediados del 1700 en Europa se empieza a generar un nuevo movimiento en
la arquitectura, la literatura y las artes conocidos como clasicismo o
neoclasicismo. El clasicismo musical o período clásico comienza
aproximadamente en 1750 y termina alrededor de 1820.
Música clásica se dice en general para todos los períodos de la música
culta europea, pero las primeras composiciones llamadas clásicas fueron
las de este período. En la música no se trató del redescubrimiento y
copia de los clásicos del arte greco romano, los pocos restos de música
griega y de tratados teóricos que quedaron no se consideran suficientes
para conocer como era aquella música realmente. La música del clasicismo
evoluciona hacia un extremo equilibrio entre armonía y melodía.
Compositores muy famosos son Haydn, Mozart y el primer Beethoven
(Beethoven supone un giro de tuerca en la evolución de la música tonal,
yendo cada vez más lejos del llamado centro tonal (Enunciado por
J.S.Bach). Es en este punto cuando empieza la época romántica en la
historia de la música).
Características estilísticas
En
cuanto a la armonía no se producen cambios significativos porque las
principales reglas armónicas ya venían establecidas del periodo
anterior. Pero si podemos observar grandes cambios de textura; se
utiliza un estilo más puro y equilibrado, generalmente melodía
acompañada y en ocasiones homofonía o polifonía vertical. Surge y se
impone el bajo Alberti (forma de acompañamiento en donde se van
desplegando acordes). Esto sucede en oposición al estilo barroco de
sobrecargado estilo imitativo, que produjo complejas fugas y canones.
Recordemos que el ideal clásico es equilibrio y armonía. Cada vez se
utilizan más variedad de dinámicas y articulaciones, gracias al
desarrollo de los instrumentos. Las melodías se vuelven cantabiles y la
forma musical adquiere particular importancia. Es en este periodo cuando
se definen claramente las estructuras en las que se basa la música
culta occidental casi hasta nuestros días; la sonata, la sinfonía y el
concierto clásico.
Las formas del Clasicismo
En
este periodo se establecen las estructuras que rigen a las principales
formas. Entre estas se destaca la llamada forma sonata que luego se
implementó en la mayoría de los géneros del momento.
La sonata
Tiene
tres o cuatro movimientos. En el primer movimiento se sigue un esquema
con tres partes, primero una exposición en la que el compositor nos
presenta dos temas, uno enérgico y otro más melódico. En segundo lugar,
el desarrollo en el que se establece una lucha entre los dos temas.
Finalmente la reexposición, en la que la tensión armónica se resuelve al
volver a escucharse los temas iniciales. El segundo movimiento, lento,
suele ser un tema más melodioso, utilizándose un lied, con forma
ternaria y lírico. El tercer movimiento tiene un carácter más
desenfadado, generalmente en forma de minuetto, danza de origen
francés.(Scherzos tratándose de Beethoven). En el cuarto movimiento se
adopta casi siempre la forma del rondó; alterna secciones fijas con
variables. La sonata propiamente dicha está escrita para un solo
instrumento o bien para un pequeño conjunto de dúos, tríos. La forma
sonata, si es para una agrupación de cámara, puede ser un cuarteto,
quinteto, etc. Si es para una orquesta, recibe el nombre de sinfonía, y
si es orquestal ,pero con un solista, concierto.
La ópera
En
el siglo XVIII se había convertido en un fastuoso espectáculo de la
corte, a través del cual los monarcas y los aristócratas exhibían su
esplendor. Los temas se referían a la mitología y representaban grandes
tragedias lírico-heroicas, montadas con gran aparatosidad, la ópera
seria. Por el contrario, las clases sociales menos favorecidas contaban
con su propio teatro musical, pequeñas actuaciones satírico-burlescas,
la ópera buffa. De breve duración, su argumento es muy simple, recurre a
la expresión directa en lenguaje coloquial y se sirve de dos o tres
personajes solamente, reduciendo al máximo los elementos musicales, en
los que desde luego están ausente los coros y cobra la mayor importancia
la melodía popular de fácil construcción
Otras formas musicales
Otras
formas musicales de importancia en el Clasicismo fueron: Sinfonía,
Concierto, Tema con variaciones, Cuarteto de cuerdas y quinteto de
vientos.
“Música del Periodo Romántico “
El
romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre
principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele
englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de
dicho período. El romanticismo musical es un período de la música
académica que fue precedido por el clasicismo y continuado por el
modernismo.
El romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la
corriente de cambios en literatura, bellas artes y filosofía, aunque
suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el romanticismo en
aquellas artes y en la filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y
1840. El romanticismo como movimiento global en las artes y la
filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a
partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se
podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La Música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones.
El término música romántica,
que podría confundirse con la Música del Romanticismo, se entiende como
toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de ser
así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se
estableció durante el romanticismo, pero no toda la Música del
Romanticismo cumple con estas características. Del mismo modo, no toda
la música romántica se puede relacionar con el período romántico.
Instrumentación y escala
Como
en otros períodos, la instrumentación siguió mejorándose durante el
período romántico. Compositores como Hector Berlioz orquestaron sus
obras de una forma nunca antes escuchada, dándole una nueva prominencia a
los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta estándar aumentó, y
se incluyeron instrumentos tales como el piccolo y corno inglés, que
antes se utilizaban muy ocasionalmente. Mahler escribió su octava
sinfonía, conocida como la Sinfonía de los miles, por la masa orquestal y
coral que se requiere para interpretarla.
Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del romanticismo
se tornaron más largas. Una sinfonía típica de Haydn o Mozart,
compositores del clasicismo, puede durar aproximadamente veinte o
veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se suele
considerar como del romanticismo inicial, dura alrededor de cuarenta y
cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de
Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de Mahler, con
sinfonías que tienen una hora de duración (como es el caso de la primera
y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y media (como la
segunda, tercera o novena).
Por otro lado, en el romanticismo creció la importancia del
instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las
estrellas musicales de principios del siglo XIX. Liszt, además de ser un
notable compositor, fue también un virtuoso del piano, muy popular.
Durante las interpretaciones de los virtuosos, solían destacar más ellos
que la música que estaban interpretando.
Estos son algunos de los instrumentos que aparecen en el romanticismo:
VIENTO
Contrafagot: Especie de fagot de grandes dimensiones, cuyos sonidos se producen a la octava grave del fagot ordinario.
Saxofón: Instrumento de
viento compuesto de un tubo cónico de metal encorvado en forma de U,
con varias llaves y una boquilla de madera y caña. Los hay de varios
tamaños.
Corno inglés: Instrumento de viento, más grande y de sonido más grave que el oboe.
Tuba: Instrumento de viento de grandes proporciones y de sonoridad voluminosa y grave.
TECLADO
Piano: Aunque ya
existía en el Clasicismo, el piano es el gran instrumento del
romanticismo. Permite la mayor expresividad a los compositores, que son,
además, virtuosos del instrumento. Tiene capacidad dinámica amplia y
una gran riqueza sonora. Casi todos los compositores románticos van a
ser también excelentes pianistas.
Armonio: Instrumento de
teclado. Sustituye al órgano en música religiosa. Su elemento sonoro es
un juego de lengüetas que se ponen en vibración insuflando aire
mediante un fuelle de pedal. Su extensión es de unas cinco octavas.
PERCUSIÓN
Vibráfono: Especie de
xilófono construido a base de placas de metal, cada una de las cuales
posee un tubo que hace de caja de resonancia. Su uso es normal en la
orquesta sinfónica.
Formas musicales del Romanticismo
Las principales formas musicales del Romanticismo son las siguientes:
Preludio. Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano.
Bagatela. Composición corta para piano y sin ninguna pretensión.
Estudio. Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad.
Impromptu. Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación.
Nocturno. Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica.
Lied. Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas.
Sinfonía y concierto. La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los ideales románticos.
El primer sinfonista romántico fue Beethoven. Los compositores
románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que
dio Beethoven a la sinfonía.
Música programática.
Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que pretende
expresar una idea, historia, etc., y comunicarla al oyente por medio de
un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al
poema sinfónico.
Poema sinfónico. Obra
orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un
argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la
poesía y la música.
“MUSICA DEL PERIODO BARROCO”
La música del periodo barroco
es el estilo musical, relacionado con la época cultural europea
homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII
(aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII
(aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).
Características
Se
trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas y
revolucionarias de la música occidental, así como la más influyente. Su
característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y
el desarrollo de la armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal.
Algunas de sus características son compartidas por el movimiento
homónimo en las artes plásticas. Entre estos destacan los contrastes
violentos, una gran pasión por la ornamentación, pompa y esplendor en
los espectáculos públicos, y el llamado «estilo concertante» basado en
contrastes sonoros y un diálogo entre el solista y el ripieno y que
daría pie al concerto grosso.
Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas heredadas del
Renacimiento, pero las voces de dichas obras no son iguales o similares,
sino que se destaca la voz superior reduciéndose la escritura de las
demás al llamado bajo continuo; esta textura se llama monodía
acompañada.
El estilo llamado Barroco musical se caracteriza por el género vocal
recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso
melódico -La música ha de ser sirviente de la poesía- y por un
auge de la música instrumental pura, es decir, sin relación con
consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o funcionales
como en el caso de la música de danza.
En esta época se desarrollan la sonata, el concerto grosso, la ópera, el oratorio y el ballet francés.
A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana
conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La
mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda
a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos
expresivos. Una característica importante fue que los detalles del arte
en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio
desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista
para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con
Bach todo el esplendor que la había caracterizado), dando de esta manera
más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a
una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera
"entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente
humanista.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la
música como creadora de emociones, y la retórica, que transfiere
conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso
musical del Barroco.
Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a
cambios y adaptaciones. Muchos compositores creaban nuevas obras
adaptando o reescribiendo con algunas modificaciones partituras
anteriores, siendo estos cambios en la misma partitura o en las
combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes tenían
varias partes donde podían improvisar.
El auge de la música instrumental
La
música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la
música académica, tiene un auge sin precedentes en los siglos
XVII-XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e
instrumental están en plena igualdad. La música instrumental alcanzó su
primera madurez, hay un gran florecimiento en géneros, técnicas,
intérpretes y compositores que se acercaban a un profundo conocimiento
de los instrumentos.
El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante
desarrollo de la técnica, al servicio de una fuerte expresión emocional.
Se destacó el caso del violinista Arcangelo Corelli quien, según el
testimonio de François Raguenet, cuando tocaba en público "perdía el
dominio de sí mismo", tenía los ojos enrojecidos y, pese a todo esto,
lograba expresarse a la perfección.
Sonata, cantata, toccata
La
sonata barroca denota una composición para uno o dos instrumentos de
cuerda o viento y bajo continuo, dividida en tres o cuatro movimientos
de carácter contrastante, habitualmente allegro-adagio-allegro (sonata da camera) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). La alternativa contrastante de movimientos sucesivos es herencia de la suite o serie de movimientos de danza, que habitualmente alternaban una danza baja o de paso, más lenta —como la pavana— con otra alta o de salto, más rápida —como la gallarda.
De un modo equivalente a la sonata, la cantata es una composición para canto solista y bajo continuo, cuya estructura habitual es recitativo-aria da capo. El equivalente en la música para instrumentos de teclado es la toccata.
El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por
ejemplo el violín, el clavecín y el órgano, se cultivó intensamente la
música de cámara para grupos instrumentales con acompañamiento de bajo
continuo.
También aparecen intérpretes virtuosos que por su gran destreza técnica
explotan al máximo el instrumento, como Johann Sebastian Bach y Dietrich
Buxtehude en el caso del órgano; Domenico Scarlatti, Jean Philipe
Rameau y François Couperin al clavecín; Gottfried Reiche (1660-1734) a
la trompeta; y Antonio Vivaldi, Arcangelo Corelli y Giuseppe Torelli en
el violín.
Los géneros instrumentales
La sonata
Obra
instrumental de cámara escrita para uno o dos instrumentos melódicos
(violín, flauta travesera, oboe...) y bajo continuo. Derivó de la canzona del Barroco temprano. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach.
A mediados del siglo XVIII la palabra designa también obras para tecla,
tales como las más de quinientas sonatas para clave de Domenico
Scarlatti.
Preludios, tocatas, fantasías y fugas
Por
regla general, si hay preludio, detrás va una fuga. Los preludios son
piezas de dos o tres páginas con una dosis de técnica. Son piezas
expresivas, cargadas y con libre interpretación, ya que los trinos y los
ornamentos son libres (los crea el propio ejecutante, sin que estén
escritos). Las fugas suelen ser a 2, 3, 4 ó 5 voces. Una fuga a dos
voces significa que hay una voz con una célula (uno o dos compases) que
crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo
imita. Una vez imitado, transpone (cambia de tonalidad), hace alguna
variación o crea unas falsas repeticiones conocidas como puentes o colas
(repetición de la célula sin hacer el motivo completo, sino que
simplemente se repite la célula para cambiar, en la mayoría de los
casos, de tonalidad). Si una fuga es a tres voces, pasa lo mismo, pero
el motivo debe de repetirse tres veces (en voces distintas) y así
sucesivamente (si es a cuatro voces, cuatro veces se verá el motivo...).
La suite
Una suite es un conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados.
La suite habitualmente tenía seis partes:
Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.
Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás ternario y frecuentes hemiolias.
Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español.
Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.
Minué: obra parecida a un vals. La suite suele contener dos minués emparejados.
Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones de (B, C, D, etc.).
La
música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y
melódicamente rica, uniendo la variedad y decoro italianos a la gravedad
“Música del periodo Medieval “
La música medieval
comprende toda la música europea compuesta durante la Edad Media, etapa
que comienza con la caída del Imperio Romano en 476 y que finaliza en
el siglo XV, en 1453, con la caída de Constantinopla o en 1492 con el
descubrimiento de América, ya que el fin de la Edad Media y el principio
de la Edad Moderna es un límite difuso.
La única música medieval que puede ser estudiada es aquella que fue
escrita y ha sobrevivido. Dado que la creación de manuscritos musicales
era muy cara, debido al costo del pergamino, y la buena cantidad de
tiempo necesario para escribir toda una copia, sólo las instituciones
muy acaudaladas pudieron producir manuscritos que han sobrevivido hasta
la actualidad. Entre esas instituciones generalmente están la Iglesia y
las instituciones eclesiásticas, como monasterios, si bien algunas obras
seculares también se conservaron en esas instituciones. Estas
tradiciones manuscritas no reflejan mucho de la música popular de
aquella era.
Instrumentos
Muchos
de los instrumentos usados en la época medieval perviven aún hoy día
con algunas variaciones. La flauta se hacía de madera más que de plata u
otro metal, y puede tocarse desde un costado o desde el extremo. La
flauta dulce, por otro lado, ha conservado más o menos su forma. El
Gemscorno se parece a la flauta dulce en cuanto tiene orificios para los
dedos en su frente, aunque pertenece en realidad a la familia de la
ocarina. Uno de los predecesores de la flauta, la zampoña o flauta de
Pan , fue popular en el medievo, y es posiblemente de origen helénico.
Los tubos de este instrumento estaban hechos de madera, graduados en
longitudes diferentes para producir diferentes tonos.
La música medieval utiliza muchos instrumentos de cuerda, tales como el
laúd, la guitarra morisca o mandora, la guiterna y el salterio. Los
dulcémeles, similares en estructura a los salterios y cítaras, que eran
originalmente punteados.
El rabel, era un instrumento medieval cordófono de tres cuerdas, tocado
con arco. Su caja de resonancia tenía forma de pera y en ocasiones
alargada. El mástil era corto y el clavijero a veces estaba inclinado
hacia la derecha, hasta adoptar finalmente forma de hoz. Se introdujo en
Europa durante el siglo X desde el mundo árabe.
El dulzimer, era un instrumento similar al salterio, cuyas cuerdas
solían aparecer en órdenes de dos a cuatro. Se tocaba percutiendo las
cuerdas con unos macillos de madera.
La fídula, era un instrumento medieval de cuerda frotada con cuerpo oval
o elíptico, tapa armónica plana y clavijeros normalmente en forma de
disco.
Los principales instrumentos conocidos en la Edad Media todavía se
usaban en los tiempos de los capetos; otros aparecieron después del
siglo X.
Órganos:
Bizancio fue el primer centro de fabricación de órganos en la Edad
Media, y allí sin duda se construyeron los primeros órganos
neumáticos, que sustituyeron a los hidráulicos. Al menos, un
instrumento de este tipo está representado por primera vez en un
obelisco bizantino. Desde Constantinopla se exportan los órganos a todo
el imperio, e incluso a Oriente. En adelante, se fabrican en
Occidente: en España, desde el siglo V, y en Inglaterra, a partir
del año 700.
La
ejecución de estos instrumentos era bastante rudimentaria. Una serie de
tablillas correderas, que servía de teclado, permitía introducir el
aire de una máquina neumática en los tubos de cobre o de bronce
perpendiculares con teclas corredizas; cada tecla podía hacer hablar a
uno o varios tubos simultáneamente. Al menos desde el siglo X hubo
órganos de pequeñas dimensiones “positivos” (para poner sobre un
mueble); en el siglo XII se construirán “portables”. A partir del siglo
XIII, los tubos se reparten en “juegos”, de una a diez filas. Se
introduce el instrumento en las iglesias; pero, según el testimonio de
Ailredo, abad de Rievaulx, los fuelles hacen tanto ruido que el sonido
del órgano “más evoca el estampido de los truenos que la dulzura de las
voces”.
Arpas, liras, salterios: Las denominaciones medievales son con
frecuencia muy confusas. Las palabras cythara, rote, rotta o chrotta
pueden designar un arpa, una lira con arco, un salterio; sucede que la
lira se bautiza como arpa o psalterium… o que el monocordio “¡tiene 19
cuerdas!”.
No obstante, la iconografía permite distinguir tres tipos de
instrumentos de cuerda sin mástil o mango, y otro instrumento especial:
Las
arpas se reconocen por su forma aproximadamente triangular y por
sus cuerdas de longitud desigual, tensas en un plano perpendicular
al cuerpo sonoro, entre éste y una consola que lleva las clavijas.
El arpa pequeña portable y sin duda venida de Irlanda con los
monjes irlandeses, todavía es el emblema heráldico de este país.
Desde el s. IX, los juglares acompañan con ella sus relatos, y la nueva
nobleza feudal aprende a tocarla. Pero, a pesar de su contínua
aceptación, no parece que el arpa haya suscitado un repertorio
específico antes del siglo XVI.
Las
liras se asemejan a las cítaras antiguas hasta el s. XI. Las
cuerdas de igual longitud, se tensan entre un clavijero y una
consola transversal, paralelamente al cuerpo sonoro. La lira y el
arpa están claramente diferenciadas en un manuscrito del siglo XII,
en la que el arpa se llama cythara anglica, y la lira, cythara
teutonica.
El
salterio, que aparece en el siglo XII, en una escultura de la
catedral de Santiago de Compostela, se compone de una caja de
resonancia, plana, de forma generalmente trapezoidal, sobre la que
se tensa un número de cuerdas muy variables, de longitudes desiguales.
El
monocordio se menciona con frecuencia en la edad media. En su
origen, es un intrumento científico, destinado a la evaluación de
los intervalos. Un caballete móvil que se desplaza a lo largo de
una escala graduada permite medir la longitud de la cuerda que
corresponden a los diferentes sonidos para una misma tensión.
Laúdes,
guitarras y violas: Los instrumentos de cuerdas con mástil existen
en Europa desde la Alta Edad Media. Sus denominaciones se
confunden a menudo con las correspondientes a instrumentos sin
mástil, en el mismo desorden y la misma imprecisión. La iconografía
sigue siendo la mejor fuente de información:
El
laúd, en la forma que el renacimiento hizo famoso, no fue
introducido en Europa sino hasta el siglo XII. Lo introdujeron los
moros con su nombre árabe.
La
guitarra, curiosamente, ha tomado su nombre de instrumento de la
antigüedad que no tenían mástil. Desde el siglo XI o el XII se
presenta bajo dos formas: la guitarra morista, que Machaut llama
“moracha” y no es otra cosa que un laúd o una bandola, y la
guitarra latina, que es aproximadamente la guitarra que nosotros
conocemos.
El
“organistrum” es una especie de viola en la que el arco está
reemplazado por una rueda que frota las cuerdas por acción de una
manivela: las cuerdas se acortan no con los dedos directamente,
sino con un teclado. Es el instrumento que hoy se llama “Viola de
rueda”, y que pertenece al folclore desde el s. XVII.
Instrumentos de Viento:
Guillermo
Machaut distingue en el s. XIV dos tipos de flauta: las traversas y
“en las que tocas recto cuando soplas”. Pero no parece ser que, en
Europa, las flautas fueron rectas hasta el siglo XII. La flauta
travesera vendría como entonces, de Oriente. Una pequeña flauta
recta llamada flajol, o el flaihutel se tocan en asociación con un
tamboril o tabor, por un solo ejecutante, como todavía se practica
hoy en Provenza, o en el País Vasco.
·
Los
instrumentos con estrangul o boquilla (generalmente de doble
lengüeta, como el oboe) están representado por los caramillos, las
bombardas (una quinta más graves) y las dulzainas, de tubo más
estrecho y timbre velado.
Los
instrumentos de las familias de los cuernos y de las trompetas
son, en general, instrumentos guerreros. El olifant, cuyo uso duró
un poco más de dos siglos, es un cuerno tallado en un colmillo de
elefante (de donde su nombre, por aproximación fonética). El
instrumento que Dante llama trombetta es una pequeña trompa, una
pequeña bocina, una trompeta. Las cuatro tubae y la tubecta de plata que
se hizo hacer Federico II en Italia (1240) son probablemente
instrumentos del mismo tipo, uno y otro inspirado también
libremente en la tuba y la buccina latinas. Dersde el s. X se
utilizaron igualmente instrumentos cónicos, de cuernos de animal o
de madera, provistos de una embocadura de cuerno y perforados por
orificios, como el caramillo: son las cornetas, llamados también
cornetas con boquillas, del nombre que se llama a su embocadura.
Instrumentos de percusión:
Hasta
el Renacimiento los instrumentos de percusión no desempeñaron sino un
papel marginal en la música. Antes del s. XII no existían prácticamente,
aparte de los juegos de campanas empleados en los monasterios. No
obstante, el ornato cotidiano estaba realzado por ruidos diversos, de
los que la literatura medieval evoca con frecuencia los aspectos
comunes: matracas de los leprosos, amuletos tintineantes con que se
cubrían los héroes y los peregrinos, cencerros, cascabeles, campanas,
aldabones de las puertas, etc. Sólo en los siglos XII y XIII aparecieron
en Europa los tambores de dos pieles, con los que se acompañaban sobre
todo los que tocaban instrumentos de vientos, y el pequeño tambor sobre
un cerco con crótalos (pandereta).
EL PIANO.
El piano (palabra que en italiano significa «suave», y en este
caso es apócope del término original, «pianoforte», que hacía referencia a sus
matices suave y fuerte) es un instrumento musical clasificado como instrumento
de teclado de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional, y
según la clasificación de Hornbostel-Sachs es un cordófono simple. El músico que toca el
piano recibe el nombre de pianista. Está compuesto por una caja de resonancia,
a la que se ha agregado un teclado, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero
con macillos forrados de fieltro, produciendo el sonido. Las vibraciones se
transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está
formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples,
accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido
apagadores. Fue inventado en torno al año 1700
por el paduanoBartolomeo
Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la
cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín. A lo largo
de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más comunes
son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es
un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza modificando la
tensión de las cuerdas de manera que éstas vibren en las frecuencias adecuadas.
En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación
solista, para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a
componer y para ensayar. Las primeras composiciones específicas para este
instrumento surgieron alrededor del año 1732; entre ellas destacan las 12
sonatas para piano de Lodovico Giustini
tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di
martelletti. Desde entonces, muchos han sido los compositores que han
realizado obras para piano y en muchos casos esos mismos compositores han sido
pianistas. Destacan figuras como Frédéric Chopin,
Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven. Fue el instrumento
representativo del romanticismo musical y ha tenido un papel relevante en la
sociedad, especialmente entre las clases más acomodadas de los siglos XVIII y
XIX. Es un instrumento destacado en la música jazz.
Estructura. Mecanimos de percusion.
Gráfico del mecanismo de
percusión de un piano de cola: (1) Tecla, (2) Pilotín, (3) Puente, (4)
Pilotín del escape, (5) Palanca de escape, (6) Tornillo de reborde del
macillo, (7) Rodillo, (8) Brazo del macillo, (9) Palanca de repetición,
(10) Cabeza de macillo, (11) Empujador, (12) Palanca del apagador, (13)
Apagadores, (14) Cuchara de apagador, (15) Apagador, (16) Cuerda, (17)
Marco, (18) Grapa, (19) Enganche de la cuerda y (20) Somier.
El
funcionamiento básico del mecanismo de un piano es el siguiente: cuando
una tecla es pulsada, la palanca que está situada en el extremo opuesto
se eleva y el macillo asociado a ella se pone en movimiento en
dirección a la cuerda que es liberada por el apagador justo antes de la
percusión. Tras el golpe del macillo a la cuerda se produce el sonido y
acto seguido éste cae hasta ser recogido por la grapa, también conocida
como atrape, a una distancia aproximada de 2 centímetros. Al levantar la
tecla, ésta libera el conjunto de palancas del escape y el macillo
vuelve a estar disponible para volver a tocar la cuerda. Si retiramos la
presión por completo, todo el sistema vuelve a su estado inicial de
reposo en el que el apagador tiene la misión primordial de interrumpir
el sonido. Caja de resonancia.
CONTINUACION DEL PIANO
Caja de resonancia de un piano de cola.
Artículo principal: Caja de resonancia
La
caja de resonancia, también denominada mueble, es el recinto cerrado
del piano, que tiene la finalidad de amplificar o modular el sonido. Es
una parte primordial del piano, ya que, además de amplificar y modular
el sonido, es un factor decisivo en el timbre del instrumento, siendo
importante la calidad de la madera con la que está fabricada, el número
de piezas con las que esté construida y su estructura.
La
caja está formada por una tapa superior, una tapa inferior, denominada
tabla armónica, y una «faja», que es una sección de madera que une ambas
tapas, con formas curvadas mediante un proceso de prensado con calor.
En el interior se encuentra el bastidor, que es una estructura de
refuerzo de las tapas y sirve para controlar la vibración, y el alma.
Tabla armónica
Los barrajes de la tabla armónica de un piano de cola.
La
tabla armónica está compuesta por la tabla propiamente dicha, las
barras armónicas, los puentes de sonido y los barrajes. La tabla
armónica se sitúa debajo y detrás de las cuerdas del piano. Es una
superficie de madera laminada que varía de espesor, desde el centro a
los lados, a lo largo de su superficie. Puede ir de los 12 a los 15
milímetros dependiendo de la medida del instrumento y el criterio del
fabricante. La tabla está formada por una serie de listones de entre 10 y
15 centímetros de anchura unidos entre sí mediante cola. Es el
auténtico elemento de resonancia del instrumento y su función es
amplificar el sonido producido por las cuerdas, que a su vez es
transmitido a las mismas a través del puente tonal.
La
calidad y homogeneidad de la madera con la que está fabricada la tabla
armónica es de suma importancia. En un piano de cola moderno, suele
estar construida generalmente en madera de abeto y tiene un espesor de 8
milímetros, el doble de la de un pianoforte. Se usa la madera
del abeto para la fabricación de la tabla armónica del piano y de otros
instrumentos porque tiene el mejor coeficiente entre resistencia
mecánica, que permite soportar la enorme presión de las cuerdas, y
ligereza, que favorece la captación de las vibraciones más sutiles de
las cuerdas. La tabla armónica tiene una ligera curvatura de unos 18
metros de radio, difícilmente apreciable a primera vista, que contribuye
a que la tabla resista la presión de las cuerdas y al mismo tiempo se
incremente considerablemente la resonancia del instrumento.
Las
barras armónicas son un conjunto de listones que están fabricados con
el mismo material que la tabla armónica, generalmente abeto, que están
unidos a la tabla mediante cola por debajo de la misma. Su encolado es
en sentido perpendicular a la veta de la tabla para hacer uniforme la
rigidez del conjunto. La cantidad de barras armónicas varía entre 8 y
14, en función de la medida del instrumento, y sus dimensiones son de
dos centímetros de alto por dos de largo aproximadamente. Las barras más
largas se encuentran situadas en el centro de la tabla y tienen un
grosor mayor, mientras que las más cortas se sitúan en los extremos y
son más delgadas.
Los
puentes de sonido van encolados en el centro de la tabla y en la parte
superior de la misma. Sirven para transmitir la vibración de las cuerdas
a la tabla armónica. Su forma es debida a la disposición de las cuerdas
sobre ella y a que es necesario que la longitud de éstas se incremente
desde las notas más agudas a las más graves.
Los
barrajes son la estructura básica del piano y su finalidad es la de
soportar todos sus elementos. Se sitúan debajo de la tabla armónica, a
la que van adheridos mediante cola. De ellos dependen tanto la solidez
como la duración en el tiempo del instrumento y aportan estabilidad
frente a posibles cambios climáticos, tensiones internas, agresiones
externas o cualquier otro tipo de deformación.
Tapa superior
La
tapa superior de la caja tiene una doble función: cerrar el mueble y
proyectar el sonido hacia el público. Esta tapa se puede colocar en
diversas posiciones según la potencia requerida. En el caso de realizar
una actuación como solista, la tapa debe estar ubicada en su posición
más alta. En cambio, si se está interpretando una obra acompañando a
otros instrumentos, la tapa debe permanecer en su ubicación más baja.
Bastidor
El
bastidor es un armazón de barras delgadas que suelen ser de hierro. En
el cordal, situado en su extremo posterior, se ajustan las cuerdas, y en
el clavijero, situado en el frontal, están las clavijas de afinación.
Alrededor de éstas se enrolla el otro extremo de la cuerda. Es necesario
afinar correctamente cada cuerda. Esto se consigue enroscando el
extremo final de cada una de ellas en un eje insertado en el clavijero,
obteniendo un tono más agudo o grave según el sentido de giro.
Cuerdas
Cuerdas de un piano.
Puede observarse que las cuerdas de la parte superior, correspondientes a
las notas más graves, son más gruesas y las de la parte inferior,
correspondientes a notas más agudas, son de menor grosor.
Artículos principales: Cuerda y Cuerda de piano
Las
cuerdas son el elemento vibratorio que origina el sonido en el piano.
Son segmentos formados por un material flexible que permanecen en
tensión de modo que puedan vibrar libremente, sin entorpecimiento que
provoque una distorsión de la onda acústica. La tensión de las 224
cuerdas puede llegar a alcanzar del orden de las 15 a 20
toneladas-fuerza y depende proporcionalmente de las dimensiones del
instrumento.
Los
bordones son las cuerdas de mayor longitud y pertenecen al registro
grave extremo del instrumento. Hay una única cuerda por tecla y están
fabricadas en acero, con un contenido del 1% de carbono, y entorchadas
con hilos de cobre. Este entorchado tiene la misión de añadir cierto
peso y homogeneidad en la vibración de modo que la cuerda alcance la
altura sonora deseada, mientras la mantiene lo suficientemente delgada y
flexible para tocar. En el registro grave se colocan dos cuerdas por
tecla afinadas al unísono y en el registro agudo, tres. Las cuerdas para
el registro agudo están fabricadas exclusivamente con acero. La
longitud y grosor disminuye proporcionalmente desde el registro grave,
cuerdas más largas y gruesas, hasta el registro agudo, de menor grosor y
longitud. La longitud de las cuerdas más graves incide
proporcionalmente en las dimensiones exteriores del instrumento. Por
tanto, una mayor longitud de las cuerdas implica una mayor cola del
piano, lo que incrementa la calidad de sonido. Ocurre lo mismo con la
altura de la caja del piano de pared.
La
fabricación de una cuerda para piano se realiza mediante un proceso de
trefilado, que consiste en la reducción de la sección de una cuerda de
diámetro grueso y hacerla pasar a través de un orificio cónico calibrado
practicado en un disco de material más duro que la cuerda. Tras dicho
proceso se obtiene una cuerda con un diámetro exactamente calibrado. Al
iterar este proceso con agujeros cada vez más pequeños se obtienen otras
tantas cuerdas con sendos calibres.
Antiguamente,
el alambre de latón se trefilaba a través de discos de acero. Las
cuerdas de acero actuales se trefilan a través de discos de materiales
más duros que el acero, como el diamante o el rubí. Este procedimiento
fue inventado en 1819 por Brockedon en el Reino Unido y sigue siendo
usado en la fabricación de cuerdas para los pianos modernos.
Teclado
Prácticamente
todos los pianos modernos tienen 88 teclas, 36 negras y 52 blancas. El
número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el
siglo XVIII los clavecines tenían poco más de 61 teclas (hasta cinco
octavas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde 1870
tenían 88 teclas.
Los pianos modernos tienen un registro de siete octavas y una tercera menor; es decir, desde la-2 hasta do7. Sin embargo, muchos pianos tienen un registro de siete octavas (85 teclas); es decir, desde la-2 hasta la6
y algunos fabricantes amplían su registro hacia alguno de los dos
extremos, el agudo o el grave. Por ejemplo, un piano Bösendorfer 225
tiene 92 teclas y un Bösendorfer 290 Imperial tiene 97. Los órganos
generalmente tienen 61 teclas por «manual» (parte del órgano que se toca
con las manos).
El
peso de las teclas es un factor muy importante del teclado de un piano.
En un piano acústico (de cola o vertical), el peso de las teclas está
directamente relacionado con el mecanismo de percusión del macillo, que
golpea la cuerda dentro de la caja de resonancia. En un piano
electrónico la sensación de peso que tiene lugar en los pianos acústicos
es reproducida mediante un mecanismo de martillo debajo de cada tecla.
Pedales
Los tres pedales de un piano de cola, de izquierda a derecha, son: el pedal unicordio o una corda, el pedal tonal y el pedal de resonancia.
Artículo principal: Pedal
Un piano moderno tiene tres pedales. A principios del siglo XX, los pianos tenían tan sólo el pedal de resonancia y el pedal una corda.
Pero en épocas anteriores se experimentó mucho, con registros de laúd,
fagot y otros efectos incluso más extravagantes, no siendo raro
encontrar pianos antiguos con más de cuatro pedales. Beethoven poseyó un
piano Érard con 4 pedales, uno de ellos partido, lo que hacía un total
de 5.
En un piano de cola moderno los tres pedales se denominan respectivamente unicordio, tonal y de resonancia.
El
pedal unicordio se encuentra a la izquierda y desplaza los macillos
hacia un lado, de modo que, según el ajuste que se le dé, los macillos
golpean sobre dos de las tres cuerdas y en la zona del fieltro donde
habitualmente no lo hacen.
El pedal tonal central (también denominado «pedal de sostenuto»,
del italiano «sostenido») (que también se encuentra en algunos modelos
verticales de Yamaha) sirve para crear el efecto llamado nota pedal, que
consiste en mantener durante un tiempo determinado la misma nota o
acorde; a diferencia del pedal de resonancia, la nota pedal no se ve
alterada por las que se toquen después.
El
pedal de resonancia, al ser pisado, libera los apagadores de las
cuerdas, lo que permite que la nota siga sonando aunque se haya dejado
de pulsar la tecla, añadiendo además una gran cantidad de armónicos de
otras cuerdas que vibran por simpatía, aumentando de este modo el
volumen sonoro y, en su caso, mezclando notas, acordes y armonías
diversas. Usado con destreza, también permite pequeños efectos sutiles
de expresión, cantabilidad, fraseo o acentuación.
La
disposición en un piano vertical es ligeramente diferente. El pedal de
aproximación se encuentra a la izquierda, pero en este caso difiere del
piano de cola. Al pulsarlo, el mecanismo acerca los macillos a las
cuerdas, con lo que, a menor distancia para percutir, menor aceleración
al pulsar la tecla, con lo que sencillamente se reduce el volumen
sonoro. Al ser pisado el pedal sordina, situado en el centro, se
interpone una tela entre los macillos y las cuerdas, lo que reduce
enormemente el sonido y permite tocar el piano sin molestar a otras
personas. Y, finalmente, el pedal derecho es el de resonancia, el único
que es común a los dos tipos de piano. En los verticales, su
funcionamiento es exactamente el mismo.
Orquesta de cámara
El término orquesta de cámara
abarca todo tipo de conjuntos instrumentales, con la única condición de
poseer tal tipo de orquesta un tamaño pequeño. Al igual que con la
música de cámara, el complemento de «cámara» se refiere al salón en la
que se desarrollaban (en su origen los salones de música de los palacios
y grandes residencias del siglo XVII). Desde entonces significa
«orquesta reducida que cabe en un salón». No tiene una formación
concreta de instrumentos.
INTRUMENTOS DE MADERA
En los instrumentos de viento-madera
(parte del grupo de aerófonos), la vibración del aire dentro del tubo
que conforma el cuerpo del instrumento produce el sonido. La longitud
del tubo determina la altura del sonido. Aunque agrupados en el grupo de
maderas, en la actualidad algunos de estos instrumentos se construyen
en metal. Esto se debe a que el nombre les fue dado a la mayoría cuando
aún eran fabricados de madera. No obstante, se siguen clasificando
dentro de las maderas por su timbre y su sonido característico. Todos
tienen una serie de agujeros taladrados a lo largo del tubo, aunque
algunos se cubren o destapan mediante una serie de mecanismos a los que
se denominan llaves. Los instrumentos de viento-madera tienen un sonido
suave, melodioso y profundo. Hay dos formas de producir el sonido en los
instrumentos de viento-madera: soplar a través de un agujero, tal como
se sopla a través de la boca de una botella, como ocurre con los
instrumentos que se incluyen dentro de la familia de las flautas, o
soplar a través de una caña en forma de lengüeta, como ocurre en los
instrumentos que se incluyen dentro de la familia de los oboes, los
clarinetes, los saxofones y los fagotes.
INSTRUMENTOS DE PERCUCIÓN.
Un instrumento de percusión
es un tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser
golpeado o agitado. Es, quizá, la forma más antigua de instrumento
musical. La percusión se distingue por la variedad de timbres que es
capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros
instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran
variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usen para golpear
algunos de los instrumentos de percusión. Un instrumento de percusión
puede ser usado para crear patrones de ritmos (batería, tam-tam entre
otros) o bien para emitir notas musicales (xilófono). Suele acompañar a
otros con el fin de crear y mantener el ritmo.